domingo, 25 de junio de 2017

Charla- intervención en Bellas Artes.

Mercè Ubalde contactó con migo buscando un ilustrador que tuviese un perfil multidisciplinar y sobre todo que integrase la animación en su obra y en su oferta de mercado.No es poco.


Desde esta premisa llegué a la clase  Taller de creación, guiada por Mercè ,entusiasta receptora de cualquier herramienta que pueda servir y ayudar a sus alumnos.

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Hablar y mostrar mi trabajo. Explicar como las diferentes disciplinas y modos de expresión pueden conectarse, ayudarse, empujarse, nunca es fácil. No me parece ni evidente ni sencillo hacerlo ni explicarlo.

La clave es, por mi experiencia, que esta alianza o alianzas ocurran de forma natural, y siempre a partir de la voluntad expresiva. Que el juego de la creación amplie su territorio, que abarqué más, por pura diversión.

Coser artificialmente una herramienta con otra, mmmmmmm, pues no suele funcionar.

Pero, Y si?

Y si les proponemos a los alumnos que juegen a crear una banda sonora con lo que hay en el aula, la banda sonora de una colección de flip bocks abstractos que antes han producido mientras yo daba mi charla…?

Pues eso hicimos, y aquí tenéis una grabación casual que hizo una de las alumnas que participaron en nuestro juego de creación.

Este es un acercamiento al cine experimental de animación, desde dentro de una clase-charla sobre la ilustración.


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Tenéis una versión a mejor calidad en esta dirección de Vimeo:











sábado, 29 de abril de 2017

Obra vivida.

Obra vivida.

Para bastantes  personas de mi generación y las siguientes, muchos artistas han llegado hasta nosotros a través de herramientas de comunicación y difusión y no por un contacto directo con el trabajo de estos autores.
La obra de un artista, de cualquier artista, de cualquier época está hecha para ser vivida.
Para crear un diálogo íntimo entre el espectador y el o ella.

Mi contacto con Miró o Tapies o Picasso, artistas que tienen fundación o museo propio en mi ciudad,  fue a través de la escuela y no recuerdo mucho de estas clases. Sin embargo recuerdo perfectamente asistir a un concierto de música clásica con mi clase y sentirme expandido, amplio, enorme!!! 

Además la profesora nos pidió que dibujásemos y eso nos dio un canal de salida a todas las emociones que se abarrotaban adentro. Para mí, fue un día importante.

Cuando iba a visitar a mi abuela, me pasaba muchos ratos mirando las pinturas y dibujos que vestían toda la casa. Todos eran muy diferentes entre ellos y explicaban cosas muy distintas.
Nadie nunca me contó nada, no realicé ninguna visita guiada, no me explicaron quien eran esos pintores y dibujantes. Me permitieron disfrutarlos sin pedirme nada a cambio. Solo estábamos el o la artista y yo, en silencio, escuchando.

Creo que las imágenes que nos rodean son importantes. Que las obras originales son importantes y que los niños son sensibles al hecho de que detrás de cada uno de estos objetos hay un acto creativo real, hay una persona hablándoles directamente, aunque no esté presente en ese momento.

¿Cómo lo ha hecho?

¿Por qué lo ha hecho?

¿Por qué es tan feo o tan bonito?

¿Por qué está enfadado o alegre o triste o…

Aquí empiezan las preguntas, aquí comienza un diálogo único y plural, un diálogo que parte de la obra y que es para todos el miso y diferente. Este es un hecho mágico y es un hecho real.

Conocer a Miró a través de una cartilla de La Caixa  o a Tapies a base de verlo por las fotos de prensa, detrás de una mesa llena de políticos, pues ahora se que es una pena.



Hace muy poco pinté mi casa, de blanco. Puse un montón de hojas de un libro sobre Miró en el suelo, para protegerlo, pero también para ver que pasaba con las imágenes impresas.
Pinté despreocupadamente, goteando a placer. Al tomar un descanso me di cuenta de que había pasado algo extraño, las gotas y las manchas se habían integrado!
Las imágenes originales habían mutado. Parecían mas cerca que antes, mas vivas.
Comencé a mirarlas con atención, a disfrutarlas, les hice fotos. Las separé y las puse a secar.
La actividad de pintar la casa se paralizo un poco. Parecían detalles de fancines  y comics punk pop undergraund de la década de los 80 y 90.

Imaginé escanearlos montarlos y llevarlos en un formato zine, sin título ninguno, ni referencia y llevarlos a la librería Fatbottom. Encajarían a la perfección. Fatbottom es un punto neurálgico del comic y la pequeña edición undergraund a nivel mundial. (www.fatbottombooks.com)

Colgué algunas fotos de estos papeles en Instagram.







Una semana después, durante una clase con mi alumna Hortensia, que es una campeona y es de Nou Barris, me hizo el siguiente comentario:

-Oye Rafa, que dibujos tan brutales has colgado, y son de Miró! Es la primera vez que me gusta algo suyo. Al principio no entendía de quien eran, pero si, si, son de él. Miró te lo daban en el cole, es el de La Caixa. No tiene nada que ver con mi vida, ni con mi barrio, ni con el dinero que nunca he tenido, ni con la gente que si lo tiene y se han comprado un Miró.

Me di cuenta en seguida de que a mi también me había pasado algo parecido. Que también tenía un montón de filtros y de paredes que me separaban de muchísimos artistas, de muchísimas obras  y experiencias interesantes.

 Pintando mi piso había conseguido acercarme, saltar todo el contexto histórico, las estructuras pedagógicas adquiridas y finalmente mis propios prejuicios.


Se ha de dar lo esencial, y lo esencial es el encuentro entre el artista y el espectador, la posibilidad de que se gusten o no. Y molestar lo mínimo alrededor de este encuentro. Y si no es posible, pues hay que buscar formas de ocurra, o de “acercar el barco lo mas posible a esa costa”.



Hace unos cuantos años ya que junto al artista Gonzalo Elvira ofrecemos talleres centrados en la creatividad, en acompañar, celebrar y ofrecer recursos de todo tipo a los niños que vienen con nosotros. Nuestro proyecto se llama "Grans Recorreguts "

Los miércoles tenemos un grupo de niños fijo. 

Un miércoles a Gonzalo se le ocurrió darles unos libros sobre Miró para que los interviniesen.
Es una práctica habitual nuestra, ofrecer un material sugestivo y esperar “ a ver que hacen”.
Quizás fue Victor el que se animó mas y a día de hoy ha llenado una gran parte del libro.
Descubrió, como es costumbre en él, una afinidad entre el mundo de Miró y el mundo “de los zombies” , así que reinterpretó la obra de Joan en clave gore.

El resultado es fantástico para nosotros y natural para Victor.




www.gransrecorreguts.blogspot.com.es




Ya hace tiempo que le doy catálogos y postales de artistas a mi hijo, para que los pinte.
Considero que es de las mejores clases de historia  del arte que pueda recibir, porque de esta manera será su historia.

No le cuento nada, tampoco le pregunto sobre su significado, solo lo miro mientras dibuja y pienso:
Un día te llevaré a ver este cuadro y lo vas ha flipar, chaval!!












jueves, 27 de abril de 2017

El gif animado puede ser una herramienta visual tan rápida y potente como un Haiku

El gif animado puede ser una herramienta visual tan rápida y potente como un Haiku

Una puerta de entrada pequeña a un paisaje enorme. Un camino corto y directo .


Una imagen en movimiento frente a nosotros activa reacciones automáticas y asociaciones que no podemos controlar. Una sola imagen, además, no es tan evocadora como una suma de ellas. El movimiento y el sonido, en el caso de que lo haya, aportan una dimensión circular, una consciencia de entrar dentro de cierta acción, por muy abstracta que sea la apuesta.

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Frente a tres o cuatro segundos de la pequeña narración que se nos presenta, no cabe apenas reacción consciente. Incluso en el caso de que nos desagrade lo que vemos, para cuando hemos congelado la imagen, el cuerpo ya ha reaccionado, ya se ha posicionado, ha tomado alguna decisión invisible, ha entendido algo substancial, algo que internamente continúa mucho después de apagar el visor.
El espacio poético sigue sugestionando, sigue reconstruyendo el resto de la información, se sigue y sigue inventando a si mismo, queramos o no.


La velocidad de entrada es clave. La facilidad para realizar y creación y reproducción de un gif y los muchos canales por los que se puede enviar este mensaje, no lo hace menos efectivo, no devalúa esta herramienta como potencia, ni mucho menos. Que sea un juguete popular, tampoco la inscribe en ningún lugar “pobre” o simple o limitado.



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Estamos otra vez frente al fuego, aunque sea un fuego virtual, ha comenzado la noche, hemos vivido una jornada completa y nos reunimos frente a las luces a narrar el día.
Pero el día se conecta con el resto de los días, los meses, las estaciones, la lluvia, las tormentas, el calor, el frío, el eco de la voz rebotando en las montañas.  Se conecta con el destello intermitente de lo imaginario y lo real.


domingo, 26 de febrero de 2017

Exposición de Margarita Andreu en Tecla Sala. Conexiones con el cine animado abstracto.


Margarita Andreu o el sentido común.

Que es más común que la observación del paso del tiempo sobre nuestras vidas?

Quizás el recorrido por el espacio, los desplazamientos que realizamos hacia nuestros trabajos o nuestras casas.

Estos dos factores, están inscritos en la experiencia humana desde el principio de la creación del lenguaje, son quizás las dos herramientas básicas, los dos factores que ayudan a inventar un marco que nos permita entender algo del mundo, de los demás y de nosotros mismos.

 Espacio-tiempo es en si mismo una emoción humana que debería tener una palabra propia para expresarlo. Por que no existe esta palabra? Lo común-excepcional a todos, lo inmensamente enorme y a la vez pequeño. Y no estoy hablando en absoluto de melancolía y si, quizás de presencia, de constatación activa de esta presencia. 

 De la imposibilidad de la repetición en este presente continuo.

Eso hace esta artista, indica su presencia, indica nuestra presencia, desde sus obras. Nos invita a jugar a hacerlo, o al menos a intentarlo. Un juego muy serio. Un tanto místico, un baño de luz de color sobre la piel. Un cambio solamente estético, visual, o no?

Las series de serigrafía azul o naranja repiten un gesto una y otra vez. Es tan importante el resultado diferencial como la similitud entre ellos. Pero quizás la clave sea el conjunto, la sensación global, el territorio circular que has recorrido con los ojos, con los pies, sin un principio exactamente y un final concreto. Solo estas ahí, paseando de uno a otro percibiendo un objeto-experiencia que engloba todos a la vez. Una película quizás?

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Este trabajo esta muy cerca del cine de animación y concretamente del cine de animación abstracta, podríamos decir que se dedica a desplegar los fotogramas de una película posible.

En la colección de fotos movidas, hace exactamente lo contrario, fija un fotograma y da a entender que delante y detrás hay tiempo, da a entender porque la imagen está movida, o sea, la cámara está captando el desplazamiento en el espacio, pero no es capaz de capturar una figura nítida, porque todo ocurre demasiado rápido.

Mentalmente activas esta imagen, intentas reconstruirla, sacarla de este lugar indefinido, intentas entender, entender la acción y no puedes.
Yo la he activado, he sumado tiempo y tampoco he podido reconstruir o entender nada, sigue y sigue el eterno continuo, quieto. Otra vez necesito una palabra que no tengo.


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El trabajo de los túneles de la plaza España es quizás la experiencia activa más parecida  a una película, como mínimo formalmente. Pero es el espectador el que la acciona con su desplazamiento, con su viaje: Un viaje común, un viaje que  siempre es igual y siempre es diferente.





sábado, 3 de septiembre de 2016

vila fosca- vila clara 2016 (Resultado del taller de performance música y cine experimental, para niños)

Esta peícula cumple dos funciones, es el documental que recoge la experiencia del taller.
Y a la vez es la excusa para hacer el taller de Performance, música y cine experimental, con el grupo de niños de la pequeña población de Montellà,



                                                            https://vimeo.com/173503113 





Al llegar, el primer día, repartimos hojas a todos y propuse estirarnos en el suelo y dibujar el paisaje que vemos desde el patio. Como siempre hago me puse el primero. Todos los niños se quedaron quietos, pendientes de como haría mi dibujo. Decidí soltarme y dejar que saliese el dibujo sin mucho control de mi parte, a momentos atendía a momentos no, mitad paisaje, mitad gesto. La mayoría comenzaron a gruñir.

_Que caca de dibujo

_Este tio dibuja fatal

_Pero que hace, se cargara el rotuladooooor

_A mi no me gusta nada, pero si solo hace rayotes!!!

Y este es el profe? Buff

Aguante el chaparrón, espere en silencio y conteste:

A mi me encantan los rayotes, a mi me gusta mi dibujo. Es un buen dibujo, lo he hecho asi por que he querido y al que no le guste, es su problema.

Cogí otro papel y me puse a hacer otro más.

Durante los siguientes días, todo cambió. Vivimos tantas cosas juntos que daría para un libro entero y que yo recuerdo y guardo dentro mío.
Me gustaría compartir con todos dos momentos que explican bien esta experiencia conjunta y
que personalmente me confirma que el mensaje que he articulado con mi ejemplo y propuestas ha calado, a llegado al otro lado de una forma real.



1.       LO HE HECHO POR QUE ME HA GUSTADO Y POR QUE HE QUERIDO Y ME HA DADO LA GANA:
El último día les pedimos que dibujasen en un papel Kraft lo que les había parecido el taller. Que explicasen algo agradable o desagradable que recordaban.

Aquí tenéis una muestra de los dibujos:
A la hora de presentarlos con palabras, alguien arranco con un……-Yo he dibujado esto por que me ha gustado este taller, lo he pasado muy bien y…………….
Y bueno, por que he querido y me ha dado la gana!

El resto de niños se apuntaron a esta actitud y muchas frases parecidas aparecieron como coletilla, a veces acompañadas de una mirada directa a los ojos con un silencio del tamaño e intención de un “A VER QUIEN ES EL GUAPO QUE ME LO CUESTIONA?

Bien!! Eso es.  Al arrancar, al ofrecer un espacio y unos parámetros de juego a los niños, muchos me cosían a preguntas tipo, Y ahora que he de hacer?
Puedo hacer esto?
Puedo  no hacer lo otro?
Esta bien si lo hago asi, o asa o…etc

Muchas veces, si localizaba que las reglas mínimas de nuestros juegos estaban entendidas y que las preguntas en cuestión eran un, Rafa es que esto no funciona como una clase?
Les decía que no lo sabia, o que era cosa suya, no mía o despistaba, siempre con un ojo puesto en que haría el niño después.

Sin un lugar de llegada, sin una seguridad en el acierto, porque el adulto al mando decía no saber donde estaba el acierto, hay que comenzar a tomar decisiones, a creer en uno mismo.
Poco duró esta situación, la segunda sesión, “apedreo a una guitarra amplificada”, pues ayudó mucho. A reírnos, a cruzar límites, a atrevernos, a poner las cosas en su lugar, un lugar un poco raro, peeero interesante. Siempre con el titular de que están dentro de mi territorio, trabajando con mi material y que yo me permito y les permito utilizarlo de formas diferentes a las convencionales.

Al acabar este segundo día oí una niña que le decía a otra:
- Este tio esta loco.
Y su amiga le explicaba muy dulce:
-No , no es que es diferente de las profesoras.
Es un artista.

Un artista es sólo una palabra, pero a mi me sirve para explicarles que en la creación, en el pensamiento creativo, sea en el ámbito que sea, cada ser humano valida delante de si mismo y de los demás, sus propias apuestas y que muchas veces además de un esfuerzo técnico de construcción es importante jugar a probar cosas absurdas, divertidas, aburridas,  perseguir la intuición y encontrar aciertos sorprendentes o callejones sin salida.
Uno reconoce su paisaje interior recorriéndolo y lo recorremos de muchas formas distintas, cuantas mas tengamos, tanto mejor.

Eso hemos hecho juntos, utilizando, explicando el paisaje exterior como excusa, EL Cadí, y encima hemos hecho una película estupenda!!! Y sobre todo nos hemos reído muchísimo.

Creo que poder pensar, vivir, actuar de forma muy estructurada y pautada es tan importante como hacerlo de forma intuitiva y poco formal. Y que poder vascular entre estos dos  extremos, y ajustarlos según convenga, según haya que responder a cada situación, (y ahora no hablo sólo de creación artística); es una buena idea. A mi me parece que es una idea sana.


La relación con el paisaje te da identidad y tu definición y actuación sobre este se la da a el. Es un juego de imagen, absorbes, entiendes, actúas.

Para cada uno la película cumplirá una función simbólica interna. Se convertirá en una herramienta. Todas diferentes.

Gracias a todos

La llúvia de Lucas




Lucas estuvo un tiempo dando clases particulares conmigo. Su pasión era el color, tenia entonces 10 años,era absoluta, tremenda.
Entraba en mi estudio y se ponía a saltar de emoción.
-Quiero pintár, quiero pintár !!!
Nunca vi a alguien tan pequeño con tanta ilusión, no podía contenerse y bailaba sin parar, al decubrir como hacer un color.
Le preparé un programa dedicado a que entendiese y fuese capaz de crear colores cuando quisiese.
Un día paseando por la calle, en una clase se dibujo del natural, miro a su alrededor y me dijo, quiero pintar todo, todo, todo esto, los coches las casas el suelo, todo de colores!!!
Planeamos que trabajar en una animación con la técnica de rotoscópia, a partir de grabaciones que el mismo hacía con mi cámara, sería la manera de "pintar todo de colores"
Comenzamos pintando nubes y lluvia, con la idea de que si lloviese de un color concreto, también pasaria. Monté los dibujos, busque un audio adecuado y se lo enseñe.
bailo. si. Bailó mucho, mirando estas tormentas de colores, lo juro.

EN ESTE VIMEO PODEIS VER LA ANIMACIÓN ...Y BAILAR, SI OS APETECE:

https://vimeo.com/68650962




martes, 6 de enero de 2015

La caja de dibujos de Arnau.

Para que sirve el arte y para que sirve  la pedagogía del arte?



Está claro que parar lo que menos sirve es para formar artistas. Mas bien sirve para..

Bueno, creo que cada cual tendrá que encontrarle su utilidad y compartir o no la respuesta.

La caja de los dibujos de Arnau, me parece una respuesta física contundente, un recordatorio de es importante y de lo que no lo es tanto.




Arnau es mi sobrino pequeño, tiene unos cinco años ahora, es un niño feliz, imaginativo e inquieto. 
Mas o menos durante este último año ha ido recopilando dibujos y guardándolos en esta caja. No todos son suyos, si consigue convencer a algún adulto para que le preste su capacidad de dibujo, él pide, pide. Por pedir que no quede.

-Arnau:  Dibujame un tanque, dibújame un volcán, dibújame una serpiente venenosa de Nueva Zelanda, una araña, una moto. Si le dices que no sabes te contesta que lo busques en Google y lo copies. Más claro, agua. Que lo quiero, que lo deseo! Deseo exactamente eso.

Si el adulto no se presta, se pone él mismo manos a la obra. Cuando termina y está contento con cada detalle, recorta la imagen y acto seguido se pone a jugar con ella. Hace caminar a la araña, volar al avión o disparar al tanque. El deseo se hace realidad. Primero se objetualiza, el dibujo es un papel, existe. Después ese dibujo, una vez recortado pasa a ser un juguete . En muchos casos en los que Arnau tiene el juguete original, propone dibujarlo con algunas mejoras y siempre prefiere jugar con esta representación mejorada que con el objeto original.

¿Qué hacemos los adultos, que intentamos hacer en muy diferentes ámbitos, durante toda nuestra existencia?
Desear, dar forma, intentar comprender y definir este deseo, enfocarlo, llevarlo de un estadio de proyecto  a otro de realidad. Hacerlo presente. Conseguir que deje de ser un pensamiento, una emoción y que se convierta en nuestra realidad, en la forma en que la vida nos envuelve.

Este primer proceso que en un niño está tan limpio y es tan claro en un adulto se complica, por que uno pierde el contacto con lo que necesita, quiere. Aquí vuelve a entrar en juego la actividad del arte, que yo siempre he considerado íntimamente, una especie de “solitario sin reglas” en el que tirando las cartas consigues verte de forma intuitiva, clara y contundente.

Pero bueno, esta sería una segunda y tercera parte, en la que estoy yo y a la que Arnau por ahora no le toca mirar, por que la conexión con sus deseos es directa.
La caja de Arnau está diciendo, el arte, la creatividad, el desarrollo natural de esta capacidad humana sirve para hacernos.


Forma personas. Personas que saben que se puede desear, proyectar y vivir una idea.












Dibujo de un niño con los bolsillos muy grandes, para que quepan muchas cosas. Explicación de Arnau.